El arte de Almodóvar - Juan Ricardo Palau

Juan Ricardo Palau (Madrid, 1962) estudia en la escuela de Artes y Oficios y participa activamente en multitud de iniciativas artísticas y culturales de lo que más tarde se denominaría movida madrileña.

Detalle de Bodegón con cuchillo (2004) de Juan Ricardo Palau

Durante los años ochenta realiza todo tipo de encargos, desde diseño de ropa a escenografías, decoración de locales, escaparates y carátulas de discos. Así, en 1985, recibe el encargo de decorar la Puerta de Alcalá para la cabalgata de reyes, para lo cual diseña unos enormes telones que la trasforman por completo. Ese mismo año se convierte su obra Huevos a la Flamenca en el pintor más joven seleccionado en el certamen organizado por el Congreso de los Diputados.

En el ámbito de la moda, destaca su colaboración en 1991 con la diseñadora Sybilla, realizando los maniquíes y el atrezo de la exposición que el museo de la moda Palacio Galliera de París dedica a la autora. En 1992, también para Sybilla, elabora parte de la decoración de sus tiendas en Japón a base de esculturas y muebles. Ese mismo año, Juan Ricardo Palau Alonso prepara una exposición de pintura y escultura en la Galería Buades de Madrid.

Trabaja también en publicidad y colabora en diversas películas. Participa en varios cortometrajes del escritor y cineasta Pedro Paz y sus cuadros aparecen en la película Más que amor frenesí (1996) dirigida por Alfonso Albacete, Miguel Bardem y David Menkes.

Siempre vinculado al mundo del cine, colabora con el Festival de San Sebastián, encargándose de la decoración de las fiestas para las películas Cecil B. DeMented (2000) del director John Waters, y Amélie (2001) de Jean-Pierre Jeunet.

Malas noticias (2004), Bodegón (2002), Bodegón con cuchillo (2004) y Bodegón de las manzanas verdes (2004) de Juan Ricardo Palau

En 2003 colabora en La mala educación (2004) de Pedro Almodóvar aportando cuadros, atrezo y mobiliario para la decoración del apartamento de Ignacio (Francisco Boira) ubicado en la ficción en el barrio de Benimaclet. Entre los trabajos para el film destacan Malas noticias (2004), Bodegón (2002), Bodegón con pollo (1999) y varias obras de las series Constelación y Trama.

La obra de Juan Ricardo Palau Alonso vuelve a colarse en el universo de Almodóvar en  Amarga Navidad (2026). Un colorido bodegón puede verse en la cocina del director de cine Raúl Rossetti (Leonardo Sbaraglia) 

Obras de Juan Ricardo Palau en La Mala Educación (2004) y Amarga Navidad (2026)

La obra de este polifacético artista se encuentra muy diseminada. Su firma puede encontrarse en cuadros, esculturas, y todo tipo de objetos trasformados por su talento creador. También en obras efímeras, como performances, montajes y colaboraciones con otros artistas. Los trabajos de Palau Alonso se caracterizan por su búsqueda de líneas cada vez más puras, despojándose de todo lo innecesario, el uso de colores que se expresan por si solos y el recurso a trasparencias, huecos, volúmenes, luces y sombras.

El arte de Almodóvar - Sigfrido Martín Begué

Arquitecto, pintor y diseñador Sigfrido Martín Begué (Madrid, 1951 - 2010) estuvo vinculado artísticamente en sus orígenes a la Movida madrileña y al grupo de artistas conocido como «los esquizos de Madrid», creadores de la denominada Nueva Figuración Madrileña.

Autómata Anticlaro de Luna (1994) de Sigfrido Martín Begué

Desde muy temprano sintió interés por la pintura. En 1985 se licenció en la Escuela Técnica de Arquitectura de Madrid  y tres años más tarde obtuvo una beca de la Academia de Bellas Artes de Roma. Su obra pictórica se desarrolla dentro de la figuración y en ella abundan las referencias a la arquitectura, a la mitología clásica y al mundo de los sueños, donde se pueden ver paisajes poblados por seres fantásticos.En su abundante producción artística combinó la arquitectura y la escenografía teatral, y prueba de esto último, son los decorados que realizó para la obra La Vida es Sueño (1982) para el Teatro Español en colaboración con el pintor madrileño Eduardo Arroyo, la escenografía y el vesturario del ballet Coppelia (1992) para el Teatro de la Ópera de Florencia y de la ópera El Barbero de Sevilla (1993) para el Teatro Verde de esa misma ciudad italiana. A demás, a su actividad como pintor hay que añadir la de diseñador en el montaje de exposiciones, como la celebrada en 1987 con motivo del centenario de Le Corbusier en el Museo Reina Sofía.

La máquina de hacer cine (1992), Las costureras (1996) y Santa Cecilia (1987) de Martín Begué

En Hable con Ella (2002) puede apreciarse el cuadro de Las costureras (1996) en la consulta del psiquiatra a la que acude Benigno (Javier Cámara). El cuadro es una interpretación de Las hilanderas o la fábula de Aracne (1657) de Velázquez.

En La Mala Educación (2004) la obra titulada La máquina de hacer cine (1992) cubre una de las paredes del despacho del director de cine Enrique Goded (Fele Martínez). La obra original es propiedad de Pedro Almodóvar y luce en su despacho en El Deseo.

Obras de Sigfrido Martín Begué en La Mala Educación (2004) y en Dolor y Gloria (2019)

En Dolor y Gloria (2019), la casa del director de cine Salvador Mallo (Antonio Banderas) está inspirada en la propia casa de Pedro Almodóvar. En ella vuelve a aparecer el cuadro de Las costureras (1996) además de El olfato - Santa Casilda (1986) de Martín Begué.

En Amarga Navidad (2026), la casa de Patricia, interpretada por Victoria Luengo, cuenta con la pintura Santa Cecilia (1987) de Sigfrido Martín Begué.

 

Profesor de Bellas Artes en Cuenca, entre sus exposiciones más importantes se encuentra X Salón de los 16 (1990) en el antiguo MEAC de Madrid y El surrealismo en el exilio (1999) y Heterotopias (2000), ambas en el Museo Reina Sofía. Este último centro organizó en 2009 la exposición Los esquizos de Madrid: Figuración madrileña de los 70, donde se pudieron ver obras suyas.

El arte de Almodóvar - Guillermo Pérez Villalta

Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948) es un pintor y escultor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en España.

Personajes a la salida de un concierto de rock (1979) de Guillermo Pérez Villalta

Empezó la carrera de Arquitectura, que abandonó para pintar, aunque a lo largo de su carrera ha diseñado varios edificios y espacios públicos. Pocos se han construido, y entre ellos hay que citar el Kursaal de Algeciras. La arquitectura ha influido en su obra pictórica y ha seguido siendo uno de sus principales intereses. Se trasladó en 1968 a Madrid, donde conformó un estilo manierista de colorido y figuras deformadas en contorsiones. En esos años se le consideró integrante de la llamada movida madrileña. A mediados de los ochenta evolucionó hacia un colorido más cálido y sucio, con una técnica más suelta que podía recordar a Tiziano y a algunos maestros del siglo XVII. En la década de los noventa se intuye un giro hacia formas más definidas, y posteriormente el artista ha explorado estéticas orientales, rococós y geométricas. Pérez Villalta no oculta su afán por lo ornamental y, aunque a veces sea provocador y roce el escándalo, sigue métodos de diseño y producción tradicionales. Acusa influencias dispares y se confiesa admirador no sólo de maestros antiguos, sino también de autores como Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp y Dalí.

Dionisos encuentra a Ariadna en Naxos (2008), Artista viendo un libro de arte (2008) y Vida (Descendimiento) (2004)

La pintura de Villalta es de naturaleza totalmente narrativa, como se aprecia en obras como Grupo de personas en un atrio (1975-76) y Personajes a la salida de un concierto de rock (1979). Su interés por temas mitológicos y religiosos le distingue de la corriente mayoritaria de la pintura actual. Otras obras a destacar son La pintura como vellocino de oro (1981-1982), Sansón y Dalila o el triunfo de Venecia (1981), Historia Natural (1987) y Santuario (1996). Además, ya desde los años setenta ha diversificado su producción, creando grabados en aguafuerte, serigrafía y litografía, y diseñando escenografías para teatro, cerámicas, muebles, textiles, joyas e incluso estatuillas de bronce.

Para Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), Pérez Villalta realizó los cartones que se intercalan en la narración de la película para darle aroma de cómic. En Laberinto de Pasiones (1982), Pedro Almodóvar escogió como escenario para la película un mural que el artista tarifeño pintó en la casa del fotógrafo Pablo Pérez-Minguez. En La Piel Que Habito (2011), el cuadro Dionisios encuentra a Ariadna en Naxos que cuelga de las paredes de la habitación del Doctor Ledgard (Antonio Banderas) es obra de Guillermo Pérez Villalta. Se trata de una reproducción de mayor tamaño que la obra original en la que el autor congela el instante en que Dionisios encuentra a Ariadna en la isla de Naxos, donde es abandonada por Teseo después de que, según la leyenda, fuese ella la que ideara el plan para derrotar al minotauro y poder salir del laberinto.

Mural de Pérez Villalta en Laberinto de Pasiones (1982) y cuadro en La Piel Que Habito (2011)

En Dolor y Gloria (2019), la casa del director del cine Salvador Mallo (Antonio Banderas) está inspirada en el piso madrileño de Pedro Almodóvar. En él destaca la obra Artista viendo un libro de arte (2008) de Guillermo Pérez Villalta, que logra colarse en varios planos del film. En una escena de la película se hace referencia al autor, cuando Salvador Mallo (Antonio Banderas) comunica a Mercedes (Nora Navas) su rechazo a prestar dos de sus obras firmadas por Pérez Villalta para una retrospectiva organizada por el Guggenheim de Bilbao. 

La obra Artista viendo un libro de arte (2008) en Dolor y Gloria (2019)

También en Amarga Navidad (2026) aparecen dos obras del artista gaditano Guillermo Pérez Villalta. En concreto, aparecen Parthenos (2021) y Bodegón Clasicista Neomoderno (2020). 

En 1985 Pérez Villalta recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Su obra está presente en colecciones como el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Fundación Juan March de Palma de Mallorca, la Fundación Suñol de Barcelona, o el Patio Herreriano de Valladolid. El CAAC de Sevilla cuenta con un nutrido repertorio del artista, gracias a un acuerdo mixto de donación y depósito suscrito por él en 2013.

El arte de Almodóvar - Edward Hopper

Edward Hopper (Nyack, 1882 - Nueva York, 1967) es uno de los máximos representantes del realismo estadounidense del siglo XX. A pesar de que durante gran parte de su vida su obra pictórica no recibió la atención de la crítica ni del público, en la actualidad sus obras se han convertido en iconos de la vida y la sociedad moderna. 

People in the sun (1960) de Edward Hopper

Estudió en la New York School of Art con William Merrit Chase y Robert Henri. Realizó varios viajes a Europa, y desde muy pronto se interesó por la cultura y el arte europeos, en especial por la obra de Edgar Degas y de Édouard Manet. Desde 1910 residió de forma permanente en Nueva York.

En torno a 1920 pudo dedicarse exclusivamente a la pintura, muy realista, alejada de las vanguardias, pero paradójicamente moderna, anclada en su época pero misteriosamente atemporal. Su producción artística es relativamente escasa, ya que fue un pintor de ejecución lenta y pausada. En un primer momento se relacionó con la denominada American Scene, un grupo heterogéneo de artistas que compartían un mismo interés por los temas propios de América, pero pronto Hopper desarrolló su personal estilo pictórico.

Su carácter taciturno y sus formas austeras, tuvieron un fuerte reflejo en su obra, que se caracteriza en su conjunto por la simplificada representación de la realidad y por la perfecta captación de la soledad del hombre contemporáneo. El tratamiento cinematográfico de las escenas y el personal empleo de la luz son otros de los elementos diferenciadores de su pintura. 

Nightwalks (1942) y The Lighthouse at Two Lights (1929) de Edward Hopper

En La ley del deseo (1988), Pedro Almodóvar rinde un claro homenaje al pintor estadounidense. No sólo gran parte de la fotografía de la película está en cierto modo inspirada en la obra de Hopper, sino que el director manchego recrea algunos de los cuadros más celebrados del artista como Nightwalks (1942), en la escena de la cafetería Manila de la plaza de Callao, o The Lighthouse at Two Lights (1929), en la escena del Faro de Trafalgar. Pero la referencia más explícita a Edward Hopper la encontramos en el poster de The Art Institute of Chicago que aparece en la casa de Pablo Quintero (Eusebio Poncela).

Homenajes a Edward Hopper en La ley del deseo (1988)

En La habitación de al lado (2024), la obra de Edward Hopper adquiere gran protagonismo. En la impresionante vivienda en el bosque de Woodstock, en Nueva York, a la que se trasladan Martha (Tilda Swinton) e Ingrid (Julianne Moore), éstas descubren con asombro el célebre cuadro People in the sun (1960) colgando de una de sus paredes. En él «varios personajes toman el sol, inmóviles, junto a una casa, sólo se ve un trozo de pared de la vivienda. Los personajes no parecen tener relación entre sí y están totalmente inmóviles, sentados en sillas reclinadas de madera, con reposabrazos», según describe Almodóvar en el guion. Más adelante, en otra escena, ambas amigas recrean inintencionadamente el cuadro cuando deciden tomar el sol en el jardín de la vivienda.

People in the sun (1960) en La habitación de al lado (2024)

La fama de Edward Hopper aumentó considerablemente en 1930, fruto del aislacionismo, pero fue sobre todo a partir de su muerte, en 1967, cuando empezó a ser reconocido como uno de los grandes maestros del arte del siglo XX y no sólo como un ejemplo de la pintura realista americana. 

El arte de Almodóvar - Maruja Mallo

Maruja Mallo (Lugo, 1902 - Madrid, 1995) es una de las más representativas figuras de la Generación del 27 y uno de los grandes exponentes internacionales del surrealismo figurativo.

Máscaras (1942) de Maruja Mallo

A los veinte años entró a estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidió con Salvador Dalí, que le introdujo en el ambiente de artistas, escritores y cineastas de la Generación del 27 como Concha Méndez, Gregorio Prieto, Federico García Lorca, Margarita Manso, Luis Buñuel, María Zambrano o Rafael Alberti, con el que mantendría una relación. Durante los años veinte trabajó para numerosas publicaciones literarias como La Gaceta Literaria, El Almanaque Literario o la Revista de Occidente y realizó portadas de varios libros. En estos años pintó la serie Cloacas y Campanarios, cercana a los planteamientos de la Escuela de Vallecas de Alberto Sánchez, Benjamín Palencia, Gregorio Prieto, Arturo Souto, Rodríguez Luna y Eduardo Vicente, de la que formó parte.

En los años treinta viajó a París, donde conoció a René Magritte, Max Ernst, Joan Miró y Giorgio de Chirico y participó en tertulias con André Breton y Paul Éluard. Allí comenzó su etapa surrealista. Su pintura cambió radicalmente y alcanzó la maestría, hasta el punto de que el mismo Breton le compró en 1932 su cuadro Espantapájaros, hoy considerado una de las grandes obras del surrealismo. Regresó a Madrid en 1933 pero con el inicio de la Guerra Civil se trasladó a Buenos Aires, iniciando así su exilio en Argentina que, desde 1937, duraría veinticinco años. Allí siguió pintando, dando clases y cultivando amistades, entre ellas la de Pablo Neruda. En 1962 regresó a España y se instaló en Madrid, donde volvió a dibujar para la Revista de Occidente. En 1979 comenzó su última etapa pictórica con Los moradores del vacío. Tenía ya setenta y siete años, pero aún conservaba la frescura y vitalidad que la acompañarían durante toda su vida.

Máscaras (1951), Máscaras en diagonal (1951), Naturaleza Viva (1943) y Racimo de Uvas (1944) de Maruja Mallo

Su carrera artística fue un continuo proceso de experimentación técnica y formal en el que, con voracidad, aprehendía los diversos movimientos artísticos que permearon el convulso y prolífico siglo XX, alcanzando una personal madurez estilística en cada uno de ellos. La suya era una mirada despierta y sedienta, una sensibilidad profunda ante la que el mundo desnudaba su lado más grotesco y absurdo.

En Dolor y Gloria (2019) aparecen varias obras de la artista en la casa del director de cine Salvador Mallo (Antonio Banderas), entre ellas Máscaras (1951) y Racimo de Uvas (1944). Esta última llamó la atención de Pedro Almodóvar en la exposición Maruja Mallo - Creación y Orden, que organizó la galería madrileña Guillermo de Osma en 2017. Cuando el director se decidió a adquirir la pieza, ya la había comprado el propio galerista para su colección personal. Su aparición en el film es en cierto modo una manera de tenerla.

En La Habitación De Al Lado (2024), encontramos otra obra de Maruja Mallo en el dormitorio que ocupa el personaje de Ingrid (Julainne Moore) en la casa alquilada por Martha (Tilda Swinton) para pasar sus últimos días. Se trata de una pieza de su serie Naturaleza Viva (1943), que representa la escucha, los secretos que guardan las caracolas, en palabras de Carlota Casado, directora de arte de la película.

Racimo de Uvas (1944) en Dolor y Gloria (2019) y Naturaleza Viva (1943) en La Habitación De Al Lado (2024)

En los años ochenta Maruja Mallo recibió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes y el Premio de Artes Plásticas de Madrid. Su obra está presente en colecciones como el Museo Reina Sofía de Madrid o el Patio Herreriano de Valladolid, entre otras.

El arte de Almodóvar - Georgia O'Keeffe

Georgia O’Keeffe (Wisconsin, 1887 - Santa Fe, 1986) es considerada la madre del Modernismo americano. Creció en el Medio Oeste, en el corazón de las vastas praderas de Wisconsin, en una familia de agricultores relativamente pobre. Desde muy temprano mostró interés por las actividades plásticas y se matriculó en clases de dibujo con su hermana menor. A los 17 años inició sus estudios artísticos en el Art Institute of Chicago y más tarde en la Art Student League de Nueva York, la institución más prestigiosa de la época, si bien tuvo que interrumpir sus estudios por la falta de recursos económicos de su familia. 

Detalle de Black Mesa Landscape, New Mexico (1930) de Georgia O'Keefe

Su amiga Anita Pollitzer presentó sus dibujos a Alfred Stieglitz, dueño de la galería 291 de la Quinta Avenida de Nueva York. El galerista se enamoró inmediatamente no sólo de los dibujos sino también de su autora, con quien inició una relación amorosa. Tras su primera exposición individual en 1917, Georgia se mudó a Nueva York para poder dedicarse completamente a la pintura y unirse al grupo de artistas de vanguardia que se reunían alrededor de la galería 291. 

Sus obras preciosistas más conocidas de esa época son las vistas de las calles de Nueva York desde la ventana de su apartamento. Más tarde volvió a centrarse en la naturaleza a través del prisma de sus sensaciones. Flores ampliadas a gran escala, cielos, montañas, calaveras y huesos de animales se convirtieron en su marca registrada. En 1929 visitó por primera vez Nuevo Méjico, donde acabaría viviendo a partir de 1946 tras la muerte de Stieglitz. El clima árido y luminoso de la región proporcionó a la artista una nueva fuente de inspiración. A partir de ese momento, creó composiciones muy relacionadas con su vida cotidiana, como las llanuras desérticas, las montañas yermas o la puerta de su patio.

Jack-in-the-Pulpit IV (1930), Red Amaryllis II (1937), Crab’s Claw Ginger (1939) y Chestnut (1924) de O´Keeffe

Ganó numerosos premios y realizó exposiciones tanto en los Estados Unidos como en el extranjero. Su primera retrospectiva fue organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York en 1970. Seis meses después, se quedó parcialmente ciega y dejó de pintar, hasta que su asistente y amigo Juan Hamilton la convenció para que retomase su trabajo en 1975, aunque hizo pocas obras hasta su muerte en 1986.

Hoy, Georgia O'Keeffe es considerada una pieza clave en el desarrollo del arte en los Estados Unidos y símbolo del feminismo comprometido. Su inclasificable obra se basa en un riguroso ordenamiento de varios elementos: colores, formas, líneas, volúmenes y espacios se utilizan para crear un nuevo tipo de composiciones figurativas que toman prestados paisajes, romanticismo, minimalismo, orientalismo y arte político.

Black Mesa Landscape (1930) en Extraña forma de vida (2023) y Chestnut (1924) en La Habitación De Al Lado (2024)

Uno de los cuadros de Georgia O´Keeffe se asoma en la pared del rancho de la secuencia final del cortometraje Extraña forma de vida (2023). Se trata de la obra titulada Black Mesa Landscape, New Mexico (1930). O'Keeffe pintó el paisaje durante su segundo verano en Nuevo México mientras se hospedaba en el rancho de su amiga Marie Tudor Garland en Alcalde. La obra, una de sus más célebres, pone de relieve la profunda conexión de O'Keeffe con el paisaje de Nuevo México, así como su asombro por la naturaleza. A través de su uso del color, el marco, la escala y la línea, la artista enfatiza la majestuosidad y el poder del paisaje desértico. También puede verse en la casa de Silva (Pedro Pascal) la obra Ram's Head and White Hollyhock (1935). «Me fascina la obra tan variada de O’Keefe, esos montes, esas flores, esas casas», explica Pedro Almodóvar. 

En La Habitación De Al Lado (2024) vuelve a aparecer la obra de Georgia O'Keeffe. En el dormitorio del apartamento neoyorkino de Martha (Tilda Swinton) podemos ver sobre la cama el óleo Chestnut (1924).  «Es un tronco descomunal que se divide en dos ramas, y para mí, creo que es un cuadro en honor a la masculinidad, al órgano masculino, que es tan importante para el personaje de Martha que interpreta Tilda Swinton», apunta Pedro Almodóvar.

El arte de Almodóvar - Andrew Wyeth

Andrew Wyeth (Chadds Ford, Estados Unidos, 1917 - 2009) fue un pintor de la escuela realista de los Estados Unidos, comúnmente conocido como el «Pintor del Pueblo» debido a su popularidad entre el público americano. 

Christina's World (1948) de Andrew Wyeth

Miembro de una familia de artistas, Andrew Wyeth sufrió durante su infancia de una frágil salud. Por este motivo, su padre, famoso ilustrador, fue su principal maestro y quien le introdujo en el mundo del dibujo. En 1933 conoció las acuarelas de Winslow Homer. La fuerte impresión que le causaron hizo que Wyeth decidiera emular al artista, y que este mismo medio se convirtiese en su preferido durante sus primeros años de dedicación a la pintura.

Su obra se vio por primera vez en la exposición The Wyeth Family, organizada por la Art Alliance de Filadelfia en 1936, y un año más tarde se celebró su primera muestra individual de acuarelas en la Macbeth Gallery de Nueva York. El éxito fue tal, que todas las obras expuestas se vendieron durante el primer día. Firmemente decidido a dedicarse a la pintura, en 1943 rechazó un contrato de The Saturday Evening Post para realizar sus portadas, algo que había hecho su padre anteriormente.

Wyeth llevó una vida tranquila, viajó poco y pasó la mayor parte del tiempo entre los estados de Maine y Pennsylvania. Su estilo pictórico apenas varió a lo largo de su carrera. Su gusto por plasmar lo inmediato le llevó a que su factura fuese rápida en ocasiones, a lo que se contraponía su deseo de captar hasta los detalles más mínimos. Su gama cromática se caracterizó por su tendencia a la austeridad, predominando los colores de la tierra. 

La temática de sus obras, también inmutable, se relaciona con la de los pintores de la American Scene, interesados por representar la esencia de lo norteamericano. A los paisajes de Maine se unió su gusto por representar la figura humana. Dentro de su carrera destacó el papel ocupado por dos modelos femeninos a las que dedicó un gran número de obras.

Northern Point (1950),  Turkey Pond (1944) y Siri (1979) de Andrew Wyeth

En La Habitación De Al Lado (2024), Pedro Almodóvar rinde homenaje al pintor estadounidense recreando el cuadro titulado Christina's World (1948), probablemente el más célebre del artista, en el flashback protagonizado por la mujer del veterano de guerra de Vietnam, papel interpretado por la actriz Victoria Luengo. «En el frigorífico de mi cocina tengo un imán con esa pintura que, en efecto, es totalmente mítica en la cultura americana. No sé muy bien por qué, pero me gusta mucho. Y cuando pensé en la casa en llamas y que ella fuera detrás del marido, de pronto coqueteé con el cuadro, deliberadamente», explicaba Pedro Almodóvar.

Homenaje a Andrew Wyeth en La Habitación De Al Lado (2024)

Andrew Wyeth gozó de una gran popularidad en los Estados Unidos. Fue el primer artista vivo al que el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York, organizó una exposición retrospectiva en 1976. Sin embargo, este gusto del público no se vio acompañado por el beneplácito de la crítica, que no valoró con unanimidad su obra. Andrew Wyeth murió el 16 de enero de 2009 en Chadds Ford, Pensilvania, después de una breve enfermedad. Tenía 91 años.  

El arte de Almodóvar - Cristina García Rodero

Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Real, 1949) es un referente indiscutible en la fotografía contemporánea. Es especialmente conocida por sus fotografías de fiestas y ritos tradicionales y contemporáneos, habiendo recorrido miles de kilómetros en una búsqueda constante de imágenes y personajes. 

Duelo, Canosa di Puglia, Italia (2000) de Cristina García Rodero

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, comenzó a presentar sus primeras obras en concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973, la Fundación Juan March le concedió una beca de creación artística con la que compró su primer equipo y recorrió durante un año los pueblos de España con el fin de documentar y preservar sus fiestas, ceremonias, ritos, tradiciones y formas de vida. Fruto de ese trabajo fue la serie de fotografías recogidas en España oculta (1989), libro que situó a nuestro país en el centro del fotoperiodismo internacional y a Cristina García Rodero como una de las mejores miradas del mundo.

Desde entonces, ha compatibilizado su tarea docente, primero en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y más tarde en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, con la creación fotográfica y la colaboración en diversas publicaciones periódicas españolas y extranjeras. 

En 2005 entró a formar parte de la agencia fotoperiodística Magnum, siendo la primera persona de nacionalidad española en hacerlo. En 2013 fue elegida como Académica de Número para la Sección de Nuevas Artes de la Imagen por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ocupando la Medalla vacante que poseyó Luis García Berlanga. Ha recibido el Premio Nacional de Fotografía (1996), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2005) y el Premio Ortega y Gasset a su trayectoria profesional en 2024. En 2018 se convirtió en la primera mujer nombrada doctora honoris causa en la Universidad de Castilla La Mancha. 

 El ofertorio, Amil (1979), Velo al viento, Cuba (1998), y Lecciones de danza, Georgia (1995)

En La Habitación De Al Lado (2024) tiene una presencia destacada la fotografía de Cristina García Rodero titulada Duelo (2000) que puede verse en el apartamento neoyorkino del personaje de Tilda Swinton. Se trata de una fotografía en blanco y negro, tomada en Canosa di Puglia, en Italia, perteneciente a la serie Entre el cielo y la tierra basado en el registro de festivales, de música, de sexo y de erotismo. 

Pedro Almodóvar quería incluir en el film algún fotomontaje del personaje de Tilda en alguna guerra, y buscando fotos, encontró la que aparece en la película. «Cristina García Rodero nació como a 18 kilómetros de mi pueblo, Calzada de Calatrava. Pero quise creer que, como el personaje de Tilda se mueve por galerías de arte, había podido ver alguna foto de ella y la había comprado», explicaba el director.

Su obra se encuentra en diversas colecciones permanentes. En España, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid; el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valencia; el Museo de las Peregrinaciones de Santiago de Compostela; el MUSAC de León; la Fundación Banesto en Madrid; y el Centro de Arte de Alcobendas. En 2018 se inauguró en Puertollano, su localidad natal, un museo municipal dedicado a la obra de la artista.

 

El arte de Almodóvar - Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (Paris 1911 - Nueva York 2010) nació en el seno de una familia acomodada que regentaba un taller de restauración de tapices medievales y renacentistas. En 1938 parte hacia Estados Unidos, en donde residirá el resto de su vida. Miembro del American Abstract Artists Group, obtuvo el reconocimiento de la crítica y el éxito comercial tras la retrospectiva que le organizó el MoMA en 1982, habiendo cumplido ya los setenta y un años. Su producción, original y compleja a la vez que diversa y fascinante, aborda la memoria, la sexualidad, la maternidad, las relaciones humanas y la búsqueda de equilibrio.

Femme Maison (1994) de Louise Bourgeois

En La piel que habito (2011), el arte de Louise Bourgeois cumple una función esencial. «Vi una retrospectiva en la Tate Modern y detecté una conexión clarísima con lo que quería contar. Me fijé en la escultura de una cabeza, en la que había un perfil masculino y otro femenino, con un niño en el interior. Son imágenes en las que se combinan los géneros, las edades... El arte de Louise Bourgeois es lo que permite sobrevivir al personaje de Vera (Elena Anaya). Imitando su obra, ella consigue salir de su pozo. El arte tiene una función salvadora», explica Pedro Almodóvar.

Referencias a la obra de Louise Bourgeois en La Piel que habito (2011)

La artista francesa vivió una infancia y adolescencia marcadas por las diferencias con su padre, quien era infiel a su esposa. Esta situación le hizo reflexionar sobre el papel de la mujer en la sociedad, la represión femenina, la sexualidad y los problemas del patriarcado. Entre 1945 y 1947 Bourgeois comienza a realizar sus Femme Maison, mujeres desnudas con la cabeza atrapada en grandes casas, metáfora sobre el destierro social femenino al ámbito doméstico. El personaje de Vera es una Femme Maison, se encuentra cautiva en una cárcel que la confina y que al mismo tiempo la protege. De ahí que en su muro-lienzo Vera dibuje dos de las más famosas Femme Maison de Bourgeois. 

Together (2005), Femme maison (2008) y I Have Been to Hell and Back (1996) de Louise Bourgeois

Pero la relación del personaje principal con Bourgeois se hace más patente aún en el instante en el que sus captores le entregan un libro de la artista francesa para ocupar sus días de encierro. A partir de ese momento, Vera comienza a imitar sus obras. Vera empatiza con Bourgeois, con sus instalaciones carcelarias y sus mujeres compuestas de retales, cosidas y remendadas. Por ello, realiza las mismas muñecas de trapo que la artista francesa, sus Fabric Heads (2000) o sus bolas gigantes de tejido similares a las de No Exit (1989). En definitiva, el personaje de Vera se presenta no sólo como una Femme Maison hecha carne, sino también como un trasunto de la propia Bourgeois, pues no sólo reproduce sus obras sino que, al igual que la escultora francesa, también encuentra en ellas un método curativo, o al menos paliativo.

En La Habitación De Al Lado (2024) vuelve a aparecer la obra de Louise Bourgeois. En el apartamento neoyorkino de Martha (Tilda Swinton) encontramos una serigrafía de la pieza conocida como I Have Been to Hell and Back (1996).